PARIS PHOTO 2018: la 22ma edizione della fiera internazionale della fotografia d’arte di Parigi

PARIS PHOTO 2018: la 22ma edizione della fiera internazionale della fotografia d’arte di Parigi

Paris photo 2018 in immagini ed un o sguardo alle migliori gallerie secondo XIBT, con il reportage di Dolores Pulella

“…E la Francia è storicamente il paese della fotografia”, ha commentato in un’intervista Florence Bourgeois, direttrice di Paris Photo, già da qualche anno alla testa della manifestazione-evento insieme al direttore artistico Christoph Wiesner. Come poterle dare torto, considerando che fu proprio “l’esagono” a dare ufficialmente i natali al medium nel lontano, ma non troppo, 1839. Da allora la fotografia ne ha percorsa di strada, e a sentire la Bourgeois si imporrà sempre di più sul mercato dell’arte, in forte espansione anche in estremo oriente.

L’Edizione 2018 di Paris Photo accoglie 167 gallerie e 31 editori internazionali, presentando una nuova sezione, “Curiosa”, ed un nuovo percorso intitolato “Elles x Paris Photo” che sostituisce quello concepito nel 2017 da Karl Lagerfeld. Le gallerie selezionate sono in prevalenza francesi, inglesi, statunitensi e tedesche, ma non mancano rappresentanze del Giappone, dell’America latina e dell’Africa; meno forte è la presenza italiana rispetto alla Fiac, ma non degli artisti del nostro paese, esposti da gallerie internazionali. Sempre la direttrice Bourgeois tiene a sottolineare il ruolo didattico della grande fiera, in cui le gallerie assumono sempre di più la funzione di entità museali, anche attraverso la scelta dei “solo- show”, operata da una buona parte degli espositori; non solo quindi una grande macchina del business, come a volte è stata definita e per questo criticata, ma anche una vetrina pedagogica che permette di ripercorrere tutta la storia del medium.

Sì perché a Paris Photo non c’è epoca che sfugga, e non c’è “mélange” di stili e correnti che non possa esistere. Quest’ultima è stata la scelta di molte gallerie tra cui la londinese Richard Saltoun che espone Ulay, Gina Pane, Elisabetta Catalano ed Eleanor Antin, o di Peter Fetterman (Santa Monica, USA) con H. Cartier-Bresson, Jacques-Henri Lartigue e Sabine Weiss. Fraenkel (San Francisco) non si sottrae a questa linea espositiva proponendo Robert Adams, Diane Arbus, Richard Avedon e Sophie Calle. Un unicum è rappresentato dalla Gagosian Gallery che ha scelto di sviluppare un tema attraverso diversi “obiettivi”: Andy Warhol e la sua Factory vista con gli occhi di Avedon, Peter Lindbergh, Patti Smith e Douglas Gordon. Hans P. Krauss Jr. (New York) resta fedele alla scelta, operata anche nel 2017, di esporre i pionieri del XIX secolo come Nadar, Roger Fenton, Eugène Atget e Julia-Margareth Cameron. Ampio spazio è dedicato all’opera di donne fotografe, grazie anche al percorso “Elles x Paris Photo”, concepito da Fannie Escoulen con il sostegno del Ministero della Cultura francese; quasi ogni galleria presenta l’opera di una o più fotografe, e tra queste la curatrice ha selezionato degli scatti che hanno dato vita anche ad una pubblicazione: Germaine Krull, Lucia Moholy, Vivian Maier, Sara Facio, Helen Levitt, Martine Franck, Francesca Woodman, Cindy Sherman, Karen Knorr, Agnès Geoffray, Agnès Varda e Lisa Sartorio sono soltanto alcuni dei nomi delle artiste di questo progetto che risponde appieno all’attuale esigenza di parità tra i generi.

L’altra novità è la sezione “Curiosa” dedicata per questo suo primo anno alla fotografia erotica, e curata da Martha Kirszenbaum, in cui spiccano le fotografie dell’artista femminista Renate Bertlmann (Galerie Steinek, Vienna) che rappresenterà l’Austria alla prossima Biennale di Venezia (2019). Per gli organizzatori Paris Photo 2018 si colloca nel segno della fotografia documentaristica; sempre più gallerie osano proporre artisti che si confrontano con temi sociali ed impegnati, come Guy Martin e Simon Norfolk (Benrubi, New York), Taysir Batniji (Éric Dupont, Parigi), ma soprattutto il pluripremiato James Nachtwey a cui Contrasto di Milano ha dedicato un “solo-show” dove è possibile ammirare gli scatti di uno dei più celebri fotoreporter di guerra della nostra epoca.

Dolores Pulella

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CAMERA OBSCURA, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CAMERA OBSCURA, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CAMERA OBSCURA, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, AUGUSTA EDWARDS , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, AUGUSTA EDWARDS , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CAROLINE SMULDERS  , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CHRISTOPHE GUYE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CHRISTOPHE GUYE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CHRISTOPHE GUYE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CHRISTOPHE GUYE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CIPA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CIPA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CIPA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, COMPANY , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CONTRASTO , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CONTRASTO , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CONTRASTO , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, CRONE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, DANIEL BLAU , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, DANIEL BLAU , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, DANIEL BLAU , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, DANIEL BLAU , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, DANZIGER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, DANZIGER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, ENRICO ASTUNI , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, FELDBUSCH WIESNER RUDOLPH  , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, FELDBUSCH WIESNER RUDOLPH  , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, FIFTY ONE, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, FIFTY ONE, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, FRANCOISE PAVIOT , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GAGOSIAN , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GALERIE DU JOUR AGNES B. , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GALERIE DU JOUR AGNES B. , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GALERIE DU JOUR AGNES B. , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GILLES PEYROULET & CIE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, GILLES PEYROULET & CIE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JOHANNES FABER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JOHANNES FABER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JOHANNES FABER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JOHANNES FABER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JOHANNES FABER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JOHANNES FABER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JUANA DE AIZPURU , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JUANA DE AIZPURU , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, JUANA DE AIZPURU , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, KARSTEN GREVE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, KARSTEN GREVE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, KEITH DE LELLIS , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, KOURTNEY ROY , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, KOURTNEY ROY , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, KOURTNEY ROY , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LES FILLES DU CALVAIRE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LES FILLES DU CALVAIRE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LES FILLES DU CALVAIRE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LOOCK , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LOOCK , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LOUISE ALEXANDER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LOUISE ALEXANDER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LOUISE ALEXANDER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, LOUISE ALEXANDER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, MAGNUM, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIA LL , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, NATHALIE OBADIA , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PACE/MACGILL, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PARTICULIERE / FOUCHER-BIOUSSE, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, POLKA, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, POLKA, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, POLKA, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, POLKA, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, PRISKA PASQUER, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, RICHARD SALTOUN, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, RICHARD SALTOUN, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, RICHARD SALTOUN, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, RICHARD SALTOUN, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, ROBERT MANN, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, ROBERT MANN, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, ROBERT MANN, Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, ROSEGALLERY , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, ROSEGALLERY , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, ROSEGALLERY , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, SILK ROAD , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, SILK ROAD , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVEN KASHER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVENSON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVENSON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVENSON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVENSON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVENSON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVENSON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, STEVENSON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, SUZANNE TARASIEVE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, SUZANNE TARASIEVE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, SUZANNE TARASIEVE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, SUZANNE TARASIEVE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, SUZANNE TARASIEVE , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, TEMPLON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, TEMPLON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, TEMPLON , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, THOMAS ZANDER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Paris Photo 2018, Grand Palais, Paris, THOMAS ZANDER , Photo Dolores Pulella XIBT Mag

Letizia Battaglia. Storia di una Pasionaria.

Letizia Battaglia. Storia di una Pasionaria.

Ci sono persone il cui destino si cela anche dietro piccolissimi dettagli, un cognome ad esempio, che segna già dalla nascita un temperamento, un’attitudine nei confronti della vita; è questo il caso di Letizia Battaglia. La sua è stata ed è tuttora una continua battaglia per affermare i suoi ideali di giustizia e libertà, portando avanti progetti fotografici, culturali e politici per riscattare la città di Palermo e la sua bellezza. Trascorsi i primi e felici anni di vita a Trieste, si trasferisce ancora bambina a Palermo con la famiglia, ed intorno ai dieci anni, in seguito ad uno spiacevole episodio, suo padre decide di limitare la sua libertà, che Letizia crederà poi di riconquistare con il matrimonio a sedici anni; purtroppo così non è stato, e la giovane si ritrova imprigionata in una gabbia che le impedisce di esprimersi come donna prima che come moglie, e alla soglia dei quarant’anni finalmente risorge dagli abissi decidendo di porre fine al proprio  matrimonio, e di ascoltarsi.

Letizia Battaglia, 1991 Mimmo Ortolano’s daughter Casa professa

Questo percorso di autoaffermazione personale coincide con l’inizio di quella che sarà una grande carriera come fotoreporter. Agli esordi comincia con la scrittura, tenendo fede al sogno di bambina di divenire scrittrice, poi le viene chiesto di affiancare fotografie ai suoi lavori giornalistici, e con il gioco del caso prende in mano la macchina fotografica. Dopo due anni trascorsi a Milano, nel 1974 fa rientro nella sua amata terra al fianco di Franco Zecchin, suo nuovo compagno di vita, ed insieme fondano l’agenzia “Informazione Fotografica”, frequentata  da Josef Koudelka e Ferdinando Scianna.

Letizia Battaglia, 1982 near St. Clare’s Church. The Killer game.

Sono questi per Letizia gli anni dell’intenso lavoro per il quotidiano palermitano “L’Ora”, gli anni in cui “Palermo ha sofferto tantissimo”, gli anni in cui la mafia eseguiva cinque o sei omicidi al giorno, e lei, la Battaglia era sempre sul luogo, con la sua Pentax al collo, a riprendere una delle pagine più nere della storia del nostro paese: l’omicidio di Piersanti Mattarella, allora Presidente della Regione Sicilia, il 6 gennaio 1980, quello di Cesare Terranova, giudice e Presidente della Commissione Antimafia a Roma, solo per citarne alcuni. Suoi sono anche gli scatti che ritraggono Giulio Andreotti all’Hotel Zagarella insieme ad esattori mafiosi, acquisiti poi agli atti per il processo, o la fotografia che riprende l’arresto del boss Leoluca Bagarella. È stato un periodo che ha fortemente segnato la Battaglia, che in un’intervista ha affermato che non avrebbe più la forza psichica di riaffrontare tutto quello che ha fatto, e soprattutto che ha visto; corpi insanguinati senza vita, proiettati mentalmente in una scena teatrale per volersi dire che quel sangue e quell’orrore sono solo finzione. Purtroppo non lo sono, e con gli omicidi dei giudici G. Falcone e P. Borsellino nel 1992, Letizia ha chiuso un altro capitolo della propria vita, fondando la casa editrice “Edizioni della Battaglia”, e non smettendo mai di lottare affinché sia chiara al mondo la bellezza della sua città, che non è solo sinonimo di mafia, ma anche e soprattutto di storia e di cultura. Sono in tanti ad etichettarla come “La fotografa della mafia”, ma non c’è nulla di più errato.

Letizia Battaglia, 1980 Piersanti Mattarella is dying while being taken out of the car by his brother and future Head of State of Italy.

Letizia Battaglia è una fotografa a 360 gradi, ma a molti è ancora sconosciuta la vastità dei soggetti che ha ritratto, a cominciare dalle donne, o meglio ancora dalle bambine, intorno all’età dei dieci anni, che la riportano indietro nel tempo, a quando lei aveva la stessa età, e come loro i sogni negli occhi. Poi ci sono i malati dell’Ospedale Psichiatrico di Palermo, i quartieri popolari, i suoi preferiti, quelli dove ama intrattenersi con gli abitanti, ed ancora la sua amata città ripresa in ogni sfaccettatura, e con cui ha sempre avuto un rapporto di “rabbia e di dolcissima disperazione”.

Letizia Battaglia, Pindemonte street, Psychiatric Hospital. Palermo 1983

Nonostante la celebrità raggiunta in Italia ed all’estero con esposizioni in Canada, Stati Uniti, Brasile, Est Europa, Francia, Inghilterra e Svizzera, ed il conferimento del Premio Eugene Smith nel 1985, Letizia ha continuato ad occuparsi di progetti che coinvolgono la sua terra, tra cui il tanto atteso Centro Internazionale di Fotografia di Palermo, inaugurato il 25 novembre 2017, all’interno del Padiglione 18 dei Cantieri Culturali alla Zisa che ospita anche L’Archivio fotografico della città, e la cui apertura è stata da lei commentata con queste parole: “È un sogno collettivo (…), io considero il Centro come una piccola ‘cattedrale’ e sapere che questa ‘cattedrale’ si trovi a Palermo mi rende felice (…), potrebbe sembrare esagerato, ma la nascita del Centro rappresenta la realizzazione del sogno di questi ultimi quarant’anni”.

Dolores Pulella

Astrazioni Fotografiche: Keld Helmer-Petersen

Astrazioni Fotografiche: Keld Helmer-Petersen

Pensando ai padri della fotografia artistica a colori vengono immediamente alla mente nomi quali William Eggleston e Stephen Shore che nel corso degli anni Settanta del Novecento, anche tramite grandi esposizioni (memorabile quella tenuta al MoMA nel 1976 da Eggleston), hanno contribuito ad imporre questo medium fino ad allora ritenuto dalla critica “volgare e banale” in quanto solitamente associato con la fotografia commerciale ed amatoriale. Questi non sono però realmente i primi veri grandi risultati ottenuti tramite delle pellicole a colori in quanto già nel corso degli anni Quaranta in Danimarca Keld Helmer-Petersen ne ha mostrato le grandi potenzialità artistiche: egli è oggi infatti considerato il padre della fotografia modernista danese. Isolando i dettagli per dar loro un nuovo senso Petersen mira a cogliere l’essenza della vita moderna sublimando colore e forma (come aveva fatto prima di lui in pittura Paul Cézanne) ed eliminando la profondità di campo mediante l’uso costante di diaframmature estreme: il mondo appare così come una superficie piatta ricca di interessanti motivi geometrici utili a sottolineare l’importanza del colore. Ispirato principalmente da fotografi e architetti americani e tedeschi (uno su tutti Mies van der Rohe) condivide le idee della Staatliches Bauhaus, scuola di origine germanica che fa leva su semplicità, enfasi dell’astrazione ed eliminazione dei dettagli superflui.

Helmer-Petersen riceve la sua prima macchina fotografica nel 1938 dalla madre che come premio per il diploma ottenuto gli regala una Leica IIIc. Con questa 35 millimetri e l’uso delle ottiche Elmar 35mm, 50mm e 90mm realizzerà tutte le immagini dei suoi esordi. I primi esperimenti vengono realizzati su pellicole in bianco e nero ma a causa dell’occupazione nazista in Danimarca queste diventano di difficile riperimento e Keld vira dunque su una Agfacolor, tedesca, giungendo così nel 1948 alla pubblicazione del lavoro che imprimerà il suo nome nella storia della fotografia per sempre: 122 farve fotografier (122 fotografie a colori). All’epoca l’artista ha 28 anni, lavora presso una libreria e dopo avere mostrato al proprietario una selezione dei propri scatti impressi fra 1941 e 1947 ricevendo grandi incoraggiamenti decide di utilizzare l’eredità lasciatagli dal defunto padre per produrre il suo primo volume con una tiratura di 1.500 copie. Il valore dell’opera viene notato anche oltreoceano e così il 29 novembre 1949 la rivista Life gli dedica un articolo di sette pagine dal titolo “Camera Abstractions”. Nel 1950 vola in America e si stabilisce a New York prima e a Chicago poi per studiare all’istituto d’arte (dove fra gli altri insegnava anche il noto fotografo Harry Callahan) e lavorare per Life. Nel 1953 una sua fotografia viene esposta al Mo. Ma. nella mostra collettiva “Post-War European Photography” ma, insoddisfatto della vita americana, Helmer-Petersen decide di tornare in patria e proporsi come fotografo di architettura e design aprendo un proprio studio a Copenhagen (1956), diventando in seguito insegnante di fotografia presso la scuola di architettura della Accademia Reale delle Belle Arti (1964-1990).

Keld Helmer-Petersen photo Björn Dawidsson

Dalla sua permanenza a Chicago nasce “Fragments of a city”, opera monografica datata 1960; qui sperimenta con la camera oscura portando al massimo i contrasti del bianco e nero, esaltando superfici, strutture, frammenti e spazi scovati fra le immense costruzioni della grande metropoli. Nella metà degli anni Cinquanta presenta queste immagini in una serie di esibizioni in Danimarca e Svezia curate dal designer Poul Kjaerholm e giocate sul contrasto immagine-sfondo, contrapponendo ad un pannello nero fotografie di tonalità chiare e viceversa. Negli anni Settanta l’artista danese arriverà addirittura a lavorare senza fotocamera, elaborando direttamente in camera oscura immagini prodotte tramite reagenti chimici e ricercando la quintessenza del minimalismo; questo spirito unito alla scoperta della computer grafica lo accompagnerà fino alla fine della propria vita, terminata nel 2013 all’età di 93 anni. Per Helmer-Petersen il bianco e nero rappresenta dunque l’Alfa e l’Omega della propria carriera: le 122 fotografie a colori così fondamentali per la storia della fotografia non sono per lui altro che un’eccezione, una conferma alla regola che lo farà ricordare per sempre.

Luca Torelli

Si ringraziano Jan Helmer-Petersen per il permesso alla riproduzione degli scatti del padre e Dawid (Björn Dawidsson) per il suo splendido ritratto del fotografo.

L’innocenza paradisiaca: Ruud Van Empel e i ritratti dell’altro mondo

L’innocenza paradisiaca: Ruud Van Empel e i ritratti dell’altro mondo

I loro occhi hanno qualcosa di velato, che l’innocenza maschera fin troppo bene. Sono i protagonisti delle opere di Ruud Van Empel, fotografo e visual artist di origini olandesi. Cresciuto negli anni 60, dove alla sperimentazione fotografica si affiancava l’esplorazione dei costumi, Van Empel si rapportò fin da subito alla fotografia come ad un mezzo attraverso cui esprimere la vivida realtà. Dalle geometrie psichedeliche di The Office (1995-2001), ai volti innocenti di World-Moon-Venus (2006) che guardano dentro l’anima dello spettatore. Una caratteristica dei ritratti da lui fermati su pellicola è la loro innocenza, il loro fissare l’obbiettivo senza voler nascondere nulla. La collezione World-Moon-Venus fu l’opera che consacrò definitivamente Van Empel nell’olimpo dei narratori del reale. Le immagini sono sì iperboliche, eppure nello sguardo dei protagonisti traspare un messaggio profondo, che trascende lo scenario in cui essi sono inseriti. Tra la vegetazione lussuriosa, quasi paradisiaca, giacciono diversi modelli bambini nelle loro pose plastiche che richiamano quelle dell’arte classica.

Allo stesso tempo però, lo sguardo così diretto di questi bambini mostra tutte le sfaccettature umane nella loro più semplice espressione. Un altro modo per rappresentare la realtà metaforizzandola è quello di crearne una su misura, anche se solo su tela. Così Ruud Van Empel decise di dare vita tra il 1999 e il 2002 ad una collezione controversa come Study for Women e la rappresentazione “costruita” della donna. Così i difetti vengono semplicemente smussati o addirittura rimossi per mostrare comunque ciò che la società desidera. Davanti all’iper-realtà con cui queste donne si presentano allo sguardo, alla brutalità con cui vogliono raccontarci il presente, è impossibile non rimanere affascinati dalla tecnica applicata per realizzare ciascun ritratto. Già al tempo gli sguardi delle donne raccontavano innumerevoli storie, e gli scenari attorno aumentano solo la tensione percepita. “Questo genera un certo disagio” afferma Van Empel, “un senso di imbarazzo che si appoggia a ciò che all’inizio del ventesimo secolo veniva descritto come scioccante.” Questo è ciò che Van Empel racconta nelle sue opere, continuando la propria ricerca sulla verità morale, etica ed estetica dei dilemmi della società e dello stato dell’arte. La sofferenza, la curiosità e l’orgoglio si raccontano nei dettagli della pellicola, e i protagonisti entrano in quell’immaginario visuale che resta impresso nella memoria. La ricerca per l’espressione del reale è comunque incessante e ancora oggi Van Empel, con la collezione Solo Work (2011) vede ancora una volta protagonisti dei fanciulli. Anche in questo caso la natura lussureggiante domina lo sfondo, mentre le pose indecifrabili dei bambini scivolano tra gli occhi e fanno concentrare immediatamente sul loro sguardo. Nel 2019 è previsto il completamento della collezione e si potranno ammirare le nuove opere dell’artista. Per il momento, immergersi nel silenzio e abbondanza della natura da lui ritratta per abbandonarsi agli sguardi innocenti, è una pausa analitica dall’irreale realtà che ogni giorno si presenta davanti ad ognuno di noi.

Martha Pulina

ERWIN OLAF: Aesthetic addiction

Per quanto risulti impossibile definire con un solo aggettivo lo stile del fotografo olandese (classe 1959), l’esigenza per la cura estetica è sicuramente il marchio di fabbrica più evidente dei suoi lavori. Nato a Hilversum ma residente ad Amsterdam, Erwin Olaf ha compiuto i propri studi presso la scuola di giornalismo di Utrecht cominciando in tal contesto ad interessarsi più specificatamente al fotogiornalismo. Deciso ad addentrarsi nel mondo della fotografia, è nel 1988 che emerge sulla scena internazionale vincendo il Young European Photographer of the Year Award con la serie “Chessmen”, seguito da una mostra al Ludwig Museum di Colonia. Nel 1987 ha iniziato a dedicarsi anche ad un altro medium, il film, che da allora non ha più abbandonato, utilizzandolo anche come complemento dei propri lavori fotografici.

Erwin Olaf, Self Portrait, Tar & Feathers I & II, 2012

 

I primi lavori rivelano un’attenzione particolare nei confronti di scottanti temi sociali, esplorando il mondo degli esclusi e focalizzando il proprio inconscio ottico sul razzismo e l’omosessualità. L’eco del suo potenziale estetico si è espansa a tal punto da richiamare l’attenzione dei marchi più prestigiosi di tutto il mondo, ed il fotografo ha iniziato a realizzare lavori pubblicitari parallelamente a quelli personali. Il dualismo tra gli scatti impegnati e quelli più frivoli del mondo della moda gli ha comunque concesso, senza reticenza alcuna, di farne denuncia con la serie “Fashion Victims” del 2000, in cui appaiono modelle nude con il volto coperto da borse di marchi come Chanel, Louis Vuitton e Gucci. L’attenzione per la cura di ogni minimo dettaglio fa delle sue fotografie delle messe in scena in cui nulla è lasciato al caso, soprattutto lo studio della luce, che insieme alla semplicità della composizione, è uno dei punti cardine del modus operandi del fotografo; ha infatti preso ampio spunto dalle opere di Vermeer, dalle nature morte della pittura olandese del XVI e XVII secolo, e da Caravaggio, come nel lavoro “Laboral Escena”, omaggio alla “Cena in Emmaus” del Merisi conservata alla National Gallery di Londra.  

Erwin Olaf, Berlin Stadtbad Neukölln – 23rd of April, 2012

 

Erwin Olaf, Mature, 1999 – Cindy C., 78

 

Erwin Olaf, the gym

 

Erwin Olaf, The Ice-Cream Parlour 2004

 

Acclamato come uno dei fotografi più celebri della scena contemporanea, deve la sua fama a numerose collaborazioni con le più importanti istituzioni del mondo dell’arte, quali il George Eastman Museum di New York, lo Shanghai Center of Photography, il Museu da Image e do Som di San Paolo, il Santiago Museum of Contemporary Art, Vogue, Louis Vuitton, ed il Rijksmuseum di Amsterdam, con il quale ha collaborato nel 2016 alla realizzazione della mostra “Catwalk” anche con un video promozionale ed una campagna pubblicitaria. Vincitore di innumerevoli premi, nel 2013 ha vinto il concorso in Olanda per ridisegnare le monete dell’Euro, in circolazione dal 2014. Fervente ammiratore della mentalità di Andy Warhol e Jeff Koons, il suo lavoro fotografico surreale, audace, provocativo, drammatico ed inquietante, verrà celebrato nel 2019 in occasione dei festeggiamenti per il suo sessantesimo compleanno al Gemeentemuseum The Hague, e con la pubblicazione di una monografia a cura delle edizioni Hannibal, Aperture, Xavier Barral e Prestel.

Dolores Pulella

Contrasti analogici: L’arte di Jean Paul Bourdier

Fotografando esclusivamente in analogico, Jean Paul Bourdier si conferma come uno dei fotografi contemporanei che più gioca coi colori e con le forme della realtà. Non viene così impresso alcun ritocco digitale ai contrasti di colore che naturalmente si stagliano nel paesaggio. Protagonista della collezione fotografica “Bodyscape” è il corpo umano che con le sue linee si interseca e confonde con la natura circostante.

Jean Paul Bourdier, the other side

 

I paesaggi scelti per realizzare gli scatti sembrano appartenere ad un mondo lunare, certamente disabitato dalla quella massa umana che interrompe il dialogo con il sé e il mondo. Dal deserto dell’Arizona alle Piramidi d’Egitto, ogni angolo della terra più incontaminato e spettacolare viene scelto come set per dare vita ad un nuovo dialogo artistico. You and I è una delle opere più affascinanti che offre una doppia prospettiva del corpo femminile, lasciandolo esplorare nella sua delicatezza attraverso le tonalità del lilla. Twice of one self, invece, racconta un contrasto a metà con la natura nel corpo di una fanciulla adagiato lateralmente su un bianco irreale. I colori del corpo si rendono metafora di dolore e passione segnandone ogni angolo, mentre il braccio proteso verso il cielo disturba la linearità del paesaggio protendendosi allo stesso tempo verso l’infinito incerto. Non resta che l’ultimo e più essenziale legame con la fonte di vita, quell’acqua dove il viso trova ristoro specchiandosi narcisisticamente. 

Jean Paul Bourdier

Jean Paul Bourdier, You and I

 

Jean Paul Bourdier

Jean Paul Bourdier, Twice of one self

 

Il tema dell’acqua viene ripreso anche in Couple Mirage. Qui, due corpi argentati di uomo e donna si uniscono e confondono al medesimo tempo con il prezioso liquido blu che funge da così da censore pudico di quest’unione, e da spazio privato per la passione dei due amanti. Anche i colori entrano nella scena con un ruolo preponderante. L’argento dei corpi si riflette nelle pieghe dell’acqua, i capelli rossi invece rompono la linearità del blu dominante lo spazio, e gli occhi immobili sull’altro chiudono un cerchio di grandi contrasti e sinuosità, sia tangibili che solo immaginabili. “Le fotografie – afferma Bourdier – mirano alla nostra libertà interiore, all’humor dietro i predicamenti della nostra vita, alla capacità di abbracciare l’ignoto o all’unione della nostra mente e corpo e tra noi stessi e l’ambiente circostante”.

Jean Paul Bourdier, Couple Mirage

 

Jean Paul Bourdier, Leap into the blue

 

Jean Paul Bourdier, Leap into the blue

 

Jean Paul Bourdier, Leap into the blue

 

Il contrasto dei colori come unione spirituale e fisica del corpo con ciò che lo circonda. L’orizzonte delle immagini è proiettato verso l’infinito cancellando la percezione dello spazio e del tempo, mentre i corpi mostrano giochi e sdoppiamenti quasi inconsci con un senso di salvezza che vuol sottrarre il corpo stesso al suo destino. Non deve esserci forzatamente una caduta, quanto piuttosto una rinascita attraverso nuove forme e colori.

Jean Paul Bourdier, Body of wind

 

Jean Paul Bourdier, Somnambulists

Ed è qui, in questa possibilità, che si concretizza la scelta umana, sempre protesa ripetitivamente verso le stesse azioni, in un loop temporale che si avvicina alla quotidianità della vita. L’artista francese continua a viaggiare per il mondo alla ricerca del palcoscenico perfetto per le sue opere, così da lasciare il progetto “bodyscape” sempre in divenire.

Martha Pulina 

La fotografia di Zdzislaw Beksinski: porta d’accesso privilegiata al realismo fantastico

Zdzislaw Beksinski è stato un artista poliedrico nel senso più puro della parola: il polacco si cimenta infatti sin dagli albori della sua carriera nella fotografia affiancando solo in seguito a questo medium la pittura, arte che lo occuperà integralmente a partire dall’inizio degli anni Sessanta in poi, con solamente una breve parentesi dedicata alla scultura. Le sue prime fotografie vengono scattate con una Icorett Zeiss durante l’occupazione comunista nel paese polacco e sono principalmente orientate verso soggetti a lui vicini: strade strette, mura legnose, persone solitarie sovrastate dall’architettura circostante. Una volta terminati gli studi universitari in architettura a Cracovia l’artista torna nella sua città natale di Sanok e fonda, con alcuni amici, un gruppo fotografico.

Zdzislaw Beksinski

Nel 1959 tengono una mostra a Gliwice che diverrà celebre con il nome de “L’Antifotografia” nella quale Beksinski presenta quindici lavori. Uno fra tutti rimarrà impresso nella memoria dei critici d’arte polacchi: il “Corsetto sadico”, scatto in cui Beksinski immortala la moglie Zofia avvolta da una fune ponendosi dietro allo schienale di una sedia. L’ispirazione per questo lavoro gli arriva dalla fotografia surrealista e dall’elaborazione dei negativi ideata da Pudvkin, famoso regista e teorico del cinema sovietico a lui contemporaneo; a Pudvkin si deve proprio l’idea di narrazione che sta dietro ai set creati dal fotografo polacco mediante la giustapposizione di stralci di riviste, negativi rovinati e fotografie amatoriali.

Zdzislaw Beksinski

Queste novità si andavano a scontrare con l’idea di fotografia “pura” del tempo e infatti solo l’anno prima Beksinski è autore di un importante saggio pubblicato sulla rivista polacca “Fotografia” dal titolo “La crisi della fotografia e le prospettive per il suo superamento” in cui esprime tutto il proprio disappunto per la fotografia a lui contemporanea; le soluzioni per superare questo empasse a suo giudizio sono due: utilizzare tecniche tradizionali tramite le quali creare dei set quasi cinematografici, come avvenuto nella mostra sopra citata, oppure iniziare ad interpretare la fotografia come un’arte astratta. Due anni dopo però Beksinski abbandonerà la fotografia per dedicarsi in maniera esclusiva alla pittura ed alla scultura: queste proposte non avranno dunque futuro; solamente alla fine della propria vita l’artista tornerà sui suoi passi grazie alla computer grafica, tecnica che gli permette finalmente di alterare le immagini seguendo una visione surrealista: il circolo è dunque ora chiuso.

Proprio nel 1960 Beksinski decide di passare ad altro, concentrandosi prima sulla scultura ed in seguito su disegni, eliotipi e monotipi arrivando, nel 1968, alla pittura; Beksinski raggiungerà l’apice della propria carriera proprio fra questa data e la metà degli anni Ottanta, nel periodo definito “realismo fantastico”. In questa corrente artistica è possibile evidenziare quei topoi già visti nelle fotografie ad inizio carriera: grande attenzione al corpo umano, volti trasfigurati, deformati, totale assenza di figure a tutto tondo, atmosfere cupe, oppressive ed una ricerca quasi maniacale del dettaglio. Proprio per questo motivo è impossibile capire le magistrali pitture di Beskinski senza studiare adegutamente i suoi lavori fotografici, una necessaria porta d’accesso al fantastico mondo nel quale l’artista polacco continua ancora a portarci anche tredici anni dopo il suo brutale assassinio.

Luca Torelli

Si ringraziano il Museo Storico di Sanok ed il direttore Wieslaw Banach per avere concesso l’autorizzazione alla riproduzione delle fotografie, Piotr Dmochowski per l’invio delle immagini e Kamil Sliwinski per le preziose informazioni.

Saul Leiter: la poesia del colore

Con la II Guerra mondiale l’asse dell’arte si spostò da Parigi e dall’Europa a New York ed agli Stati Uniti, che accolsero i “degenerati” artisti in fuga, che a contatto con quelli autoctoni diedero impulso ad un nuovo capitolo dell’arte contemporanea.Saul Leiter, ad esempio, rimase molto impressionato dal fotografo Henri Cartier-Bresson, cui fu dedicata una mostra al MoMA nel 1947, e che nello stesso anno fondò a New York con Robert Capa e David Seymour l’agenzia Magnum Photos. L’opera di Cartier-Bresson, insieme all’amicizia con il fotoreporter Eugene Smith, sollecitarono il giovane Leiter a dedicarsi oltre che alla pittura anche alla fotografia.

Saul Leiter, Newspaper Kiosk, New York City, 1955

 

Saul Leiter, New York, 1950s

 

Nato a Pittsburgh nel 1923 e figlio di un importante Rabbino, intraprese gli studi di teologia presso il Telshe Yeshiva Rabbinical College di Cleveland, abbandonati poi nel 1946 per raggiungere la Grande mela per amore della pittura. A New York, entrato in contatto con l’Espressionismo Astratto, e quindi con il gruppo della “scuola di New York” di cui fece parte, cominciò ad interessarsi alla fotografia, dapprima in bianco e nero e poi a colori, tant’è che nel 1957 la conferenza “Experimental Photography in Color”, organizzata da E. Steichen al MoMA, lo riconobbe ufficialmente come autore a colori, esponendo venti dei suoi scatti. Leiter fu tra i primi a sperimentare il potenziale della fotografia a colori quando quella in bianco e nero era la norma, senza porsi nemmeno limiti in termini di soggetto, spaziando dal nudo alla natura morta, dal ritratto al reportage urbano, e creando ibridi ben orchestrati in ogni loro singolo elemento.

Saul Leiter, model Carol Brown per Harper’s Bazaar, 1958

 

Saul Leiter, Lily Moore, Harper’s Bazaar, 1963 ca.

 

Pur avendo lavorato nell’ambito della moda per circa vent’anni, tra gli anni 60 e 80 del novecento, pubblicando su Harper’s Bazaar, Elle, British Vogue, Queen e Nova, è grazie al ruolo di pioniere della Street Photography a colori che la sua figura è stata riscoperta e messa in luce, anche se solo a partire dalla mostra dei suoi capolavori nel 2008 alla Fondazione Cartier-Bresson di Parigi. Il suo viene considerato, insieme a H. Levitt, come uno dei pochi casi in cui i lavori a colori sono al pari di quelli in bianco e nero; quelle che sopraggiungono con il colore sono nuove fantasie sensoriali in cui il cromatismo è attenuato da un velo di nostalgia, in una New York assolutamente contemporanea, che sembra filtrata più dallo sguardo di un europeo che di un americano quale Leiter.

Saul Leiter, Foot on El, 1954

 

Saul Leiter ,Parade,1954

 

In questo senso le sue scene si configurano piuttosto come delle scenografie con decori e personaggi ricoperti da un sottile strato di polvere che rende il colore lirico, storico ed evocativo di un indeterminato tempo passato, ma nella contemporaneità. Forse un tempo vicino a quello di Atget o di Brassaï e alla sua raccolta “Paris de nuit” (1933), con cui ha non pochi punti di contatto, non ultime le vetrine e l’atmosfera nebbiosa, portata da Leiter all’estremo con l’utilizzo di un marcato effetto flou e l’espediente della condensa su superfici vetrate. Varrà anche per Leiter l’espressione di Tornatore “se fotografi uno sconosciuto, nell’istante stesso in cui fai scattare l’otturatore, quella persona smette di esserti estranea, perché la porterai sempre con te”? A vedere il suo lavoro non sembrerebbe; le figure umane vi sono trattate innanzitutto come pure forme, in un miscuglio di voyeurismo e di distacco che fa sì che i passanti di New York non intervengano se non come esseri viventi, ed a volte anche spinti ai margini dello spettacolo onirico ed amputati dall’inquadratura. E nonostante ciò non manca la poesia, anche quella del colore.

Dolores Pulella

L’astratto più concreto: Wolfgang Tillmans concettualizza l’essere

Muovendosi con destrezza tra l’immateriale ed il concreto senza ripetizioni, Wolfgang Tillmans ha scavato un varco nell’interiorizzazione del concetto di movimento, per ripeterlo sotto forme sempre nuove. Nonostante le sue origini possano considerarsi prettamente pragmatiche, provenienti dalle fondamenta razionali appartenenti alla cultura tedesca, Tillmans decise fin dal principio di slegare quella razionalità per umanizzarla con lo scorrere del tempo, e approfondire così l’analisi sull’essere, in ogni sua forma reale o apparente. I suoi scatti possono sembrare casuali, senza un filo logico conduttore. Eppure i piccoli ritratti che egli collezionò fin dagli anni giovanili possono considerarsi come un reale reportage in prima persona dell’underground londinese legato alla sfera omosessuale.

Wolfgang Tillmans, Dm9r HHuSYA, 1993

 

Wolfgang Tillmans, wolfsnap, 2002, C-type print © Wolfgang Tillmans, courtesy Maureen Paley, London

 

Gli oggetti appaiono minimalisti, concentrati per lo più sul soggetto che entra in contrasto con l’ambiente circostante. Tra i colori e gli elementi scelti, tutto è in disaccordo con l’armonia del paesaggio, e ancor più se è l’essere umano ad essere coinvolto. Dalla collezione Love Parade di Berlino (1992) a quella dell’Europride di Londra, i frammenti di realtà catturati dalla pellicola del fotografo raccontano uno spaccato della società in procinto di affacciarsi ad una nuova era. Se il mondo circostante finisce ben presto per esaurire gli input di lettura, ecco che entra in soccorso il viaggio come riscoperta di nuove frontiere del sé. E allora Tillmans si allontana dalle certezze della sua Germania per scoprire il fascino underground della capitale Londra, e successivamente della Grande Mela, vivendo a New York dalla metà degli anni ’90. Qui il concetto di esposizione viene dilatato fino ai suoi estremi, distaccandosi dal convenzionale dell’epoca per abbracciare l’avanguardia della visione. Più frequenti sono le mostre, più grande è lo spazio richiesto per l’esposizione delle opere, le quali non restano più connesse ad una successione sequenziale come tradizionalmente condiviso, ma si espandono fino a coprire l’intera superficie delle stanze, includendo anche locazioni più inusuali come i soffitti.

Wolfgang Tillmans, Freischwimmer 25, 2003

 

Wolfgang Tillmans

Wolfgang Tillmans, Freischwimmer 42, 2004

 

Ciò denota l’estensione che Tillmans applicò alle creazioni artistiche che, non fermandosi più all’opera singola, includevano l’intero concetto di esibizione. Ciò che più stupisce di questo artista visionario è la sua non continuità nel percorso stilistico. Ed è anche la chiave di unicità che gli permette di restituire al mondo una visione tanto realistica quanto iperbolica di ciò che lo stimola nel quotidiano. Tra le più note va ricordata la Concorde Grid, collezione composta da cinquantasei scatti prodotti attorno alla zona aeroportuale di Londra che vedono come protagonista assoluto, appunto, il celebre aeromobile Concorde. Ancora una volta, ciò che contribuì a lasciare il segno non fu unicamente il soggetto prescelto, ma anche la modalità espositiva decisa per la sua destinazione. Inseriti in una griglia composta da quattro righe e quattordici colonne, tutti gli scatti vanno a comporre una narrazione a metà tra il fantasioso e l’iperreale. Il cambio dall’analogico al digitale ha aperto per Tillmans nuovi orizzonti cognitivi, applicabili sia alla sua percezione della realtà, che alla sua trasposizione in formato digitale. “Un vero cambiamento nel modo di pensare la fotografia” ha dichiarato Tillmans, “che inevitabilmente si riflette nel mio processo creativo in tutte le sue fasi”. Ciononostante, anche questa nuova sfida viene colta voracemente per dare vita a nuove forme espressive, sempre in contrasto, ma comunque rivoluzionarie.

Martha Pulina

Mast Foundation for Photography Grant on Industry and Work 2018

Sarah Cwynar, Sohei Nishino, Mari Bastashevski, Cristobal Olivares / a cura di Urs Stahel

Nella Photo Gallery del Mast di Bologna

Sarah Cwynar – Ultra Cosmetics from the series “Colour Factory,” 2017

 

E’ importante notare come al giorno d’oggi esista un divario tra la conoscenza del prodotto finito – così familiare da essere diventato un’estensione della nostra persona e tale da indurci a costruire un’immagine di noi stessi attraverso l’acquisto (realtà oggettiva visibile al giorno d’oggi più che mai sui social media) – e la quasi assoluta mancanza di coinvolgimento o strumenti, visivi e cognitivi, che ci permettano di comprendere il mondo della produzione, sebbene siano proprio le immagini dei processi produttivi a permetterci di cogliere e avvicinarci alle evoluzioni e variazioni che il mondo del lavoro attua sulla società e conseguentemente sul fruitore stesso del prodotto, invece così familiare. I media, la tecnologia, la finanza hanno quasi attuato un processo d’astrazione sul mondo e così, settori di fondamentale importanza che regolamentano le trasformazioni – perennemente in corso – del nostro stesso quotidiano, hanno finito per estinguere il loro grado di accessibilità allontanandosi dai nostri codici di lettura. In questo senso, si rivela urgente la necessità di annullare questa distanza rendendo possibile la visualizzazione concreta di questa realtà produttiva, aldilà delle immagini di settore. La fotografia è un mezzo per documentare la realtà e l’immagine è tramite e possibilità attraverso cui si può essere in grado di seguire gli sviluppi dei processi nel mondo della produzione, della macchine, del prodotto, della digitalizzazione ecc. Urs Stahelcuratore della Photogallery della Fondazione Mast – solleva a questo punto il problema relativo all’osservazione della realtà riprodotta e quindi uno dei problemi fondanti della fotografia. Bertolt Brecht nel 1931 sottolineava come in questo senso la realtà riprodotta non dica effettivamente alcunché della realtà, scivolando nel funzionale – la semplice riproduzione dell’immagine di una fabbrica non è in grado di raccontare nulla della sua storia e funzione – ed a questo proposito è necessario costruire qualcosa di ancora più “artificiale”, studiato, un sistema di interconnessioni che metta in relazione i diversi elementi in campo poiché la semplice osservazione della documentazione della realtà è priva di un codice di lettura che la renda sufficiente di per sé ad assolvere il compito. Bisogna quindi includere nell’immagine una connessione tra sapere astratto ed essenza del comportamento umano. Una connessione tra aspetto informativo e quello emozionale. Questo è il compito dei giovani fotografi – sostiene Stahel – ed è questo che il Mast – e il premio Mast Foundation for Photography Grant on Industry and Work (vinto da Sohei Nishino e Sarah Cwynar) – incentiva e sostiene nella promozione e indagine di tematiche fondamentali per la comprensione della realtà del nostro tempo.

Sarah Cwynar, Tracy Grid (Blue to Pink), from the series “Colour Factory,” 2017

 

Sarah Cwynar, Tracy Grid (Green to Red), from the series “Colour Factory,” 2017

 

Nel suo progetto, Sarah Cwynar, si inoltra nelle sfumature del colore analizzandone gli standard attraverso i sistemi tintometrici industriali in relazione a quelli di bellezza, ai modelli imposti dal capitalismo e a temi come il femminismo, la teoria del colore e gli aspetti ormai che lo rendono un elemento predominante nell’esperienza della vita umana. Il lavoro di Cwynar comprende un cortometraggio, Colour Factory, e delle fotografie attraverso le quali analizza sostanzialmente i percorsi che inconsciamente manovrano il nostro comportamento come consumatori, sia di immagini che di prodotti commerciali. Nella serie con la sua musa “Tracy”, sembra esplorare la ricerca dei produttori di pellicola fotografica e gli standard di valutazione della giusta tonalità di pelle, alla quale mirano attraverso la scelta di colori che possano risaltarla. La relazione tra il colore e la nostra idea di “artificio”, la nostra personale percezione degli stessi è centro dell’indagine di Sara Cwynar, nel suddetto cortometraggio – che appare come un flusso di coscienza di sensazioni personali e universali per immagini. Immagini iconiche come gli stivali da wonder woman, il rossetto e lo smalto rosso sono analizzate nella loro realtà oggettiva in relazione alla nostra personale esperienza e memoria del colore stesso. Alla fine del cortometraggio una frase emblematica impone questa riflessione “Non saprò mai come voi vedete il Rosso e voi non saprete mai come lo vedo io”. Ma la nostra idea di bellezza può essere standardizzata e riprodotta in serie attraverso un rossetto rosso, ad esempio, e questo è dovuto ad una memoria collettiva soggetta a tutta una tradizione di immagini di rossetti rossi, dal cinema alla moda, nella sperimentazione di quello che Lauren Berlant ha definito come una sorta di “intimo-pubblico”, la personale/sentimentale rete di presupposti culturali che veicolano esperienze e beni di consumo e presuppongono una “storia comune”, dove gli oggetti come espressione di questa storia corrispondono in questo modo alla convenzione di appartenenza ad essa. 

Sohei Nishino The Po, 2017

 

Il tema scelto da Sohei Nishino per il suo progetto è l’acqua. Nel suo peregrinare di luogo in luogo realizzando le sue imponenti serie panoramiche, composte da migliaia di fotografie combinate – a metà strada tra la mappa e il diorama – sostiene di aver individuato nell’elemento acqua il cardine del mondo, elemento inestricabilmente connesso all’esistenza stessa dell’uomo. Nishino fa un “volo” sul fiume più lungo d’Italia, il fiume Po che con i suoi 650 km si estende per 4 regioni del nord, alimentando, grazie all’abbondanza idrica, questi terreni che prosperando hanno trainato l’industria del paese. L’esperienza di Sohai non si limita alla mera trasposizione di una geografia sotto forma di collage, è molto di più. Partito dal Monviso, dal confine tra Francia e Italia ha viaggiato per 45 giorni e da Torino ha proseguito in direzione dell’adriatico riuscendo a concentrare l’esperienza culturale e politica dei luoghi, incontrando le persone che li popolano, pescatori, bambini, boscaioli, confondendosi tra di loro e creando un variegato ritratto dell’umanità a ridosso del fiume in un’immagine che concentra territorio, tempo e memoria. Una combinazione di 30mila fotografie riproduce l’essenza del suo corso alla quale Nishino arriva in una minuziosa quanto lunga serie di fasi. In un’azione che nasce in solitaria, sviluppa in camera oscura centinaia di rullini per poi fissarli su provini a contatto che successivamente smonta e taglia ad uno ad uno – è un’azione infinita e ripetitiva con la quale rievoca la sua esperienza personale in relazione alla memoria dei luoghi, la storia, la società dei i luoghi che ha visitato, gli edifici, gli individui incontrati che unitamente riaffiorano nella loro “singolarità” nella visione d’insieme di ogni singolo scatto. 

Mari Bastashevski , Councilman Erik Mays,
Water conference, City Hall, Flint, Michigan, US, 2017
Access: Permitted with a written authorisation

 

Anche in Emergency Managers, Mari Bastashevski crea un collegamento con l’acqua per comunicare il suo messaggio, ma la giovane fotografa russa prende in analisi alcuni meccanismi governativi e l’impatto negativo, di questa “macchina” in moto, su alcune parti della società. Nel suo progetto affronta il tema della crisi idrica verificatasi nella città di Flint (Michigan) nel 2014. Quando la città decise di dotarsi di una propria fonte di approvvigionamento terminando il contratto di fornitura con Detroit. La realizzazione di una propria rete fu attuata in modo talmente approssimativo che ebbe come conseguenza un imponente avvelenamento da piombo della popolazione, in particolar modo quella afroamericana, obbligata di lì in poi al consumo di sola acqua imbottigliata. Nella sua indagine la Bastashevski cerca di individuare le cause della crisi e i metodi gestionali della stessa in un rovesciamento di posizioni – rispetto a quanto avviene convenzionalmente nell’analisi di vicende di questa portata – la fotografa focalizza l’attenzione su chi ha tratto e trarrà vantaggio dall’avvenimento critico, annullando invece il grado di visibilità comunemente attribuito in questi casi alle vittime. Lo sguardo dell’artista non è nemmeno fissato sulla fine ultima o sulle sole parti in causa ma cerca di aprirsi a nuovi spazi di comprensione dell’intreccio tra interesse privato e trama dei poteri di stato. Interessante è la riflessione della Bastashevski in relazione a quando è visivamente in grado di andare oltre alla mera “rappresentazione” affermandosi invece come “rappresentativo”, pensando da una parte al lavoro di neutralizzazione dell’immagine mediatica nelle crisi di questo tipo e dall’altro alla pratica dell’artista stessa che consente di comprendere fino a che punto ha avuto via libera nella documentazione dell’accadimento e quindi accesso all’informazione stessa. Bastashevski presenta una composizione visiva e testuale di immagini e documenti andando a creare quell’ “artificio” di collegamenti dal quale scaturisce una vera conoscenza critica per la società civile finendo comunque per non rivelarsi come un semplice collegamento esplicativo per la riluttanza stessa dell’immagine a prestarsi come elemento di persuasione di una rappresentazione semplificata, esattamente come accade con l’immagine mediatizzata.  

Cristobal Olivares , J. (38), from the series “The Desert,” 2017

 

Cristobal Olivares Untitled, from the series “The Desert,” 2017

 

“Ai dominicani viene richiesto un visto speciale per entrare come turisti, e questo li rende facili prede dei trafficanti, da cui sistematicamente vengono ingannati, derubati e abusati [..]. La maggior parte viene intercettata nel paese d’origine tramite offerte di viaggio [..] attraverso il deserto, ai confini tra Perù, Bolivia e Cile, dove le principali minacce sono costituite da campi minati, da montagne che superano i 3800 metri di altitudine e dalle temperature estreme”. Con queste parole Cristobal Olivares, giovane fotografo di Valparaiso, descrive i fenomeni migratori in atto dalla Repubblica Domenicana verso il Cile ed i meccanismi creatisi attorno al problema dell’accesso illegale nel paese. Il Cile è al limite del mondo, paese lontano e difficile da raggiungere anche in tempi così all’avanguardia, se ne sta come arroccato tra la catena delle Ande e l’oceano pacifico assumendo sembianze di un’isola. La sua posizione geografica lo colloca tra due realtà parallele nel limite tra condizione “isolana” e quindi chiusa nella sua identità e l’apertura nell’incrociarsi di migranti, con identità e culture proprie a loro volta. Dopo la dittatura militare il Cile si è aperto, ha attuato una “promozione” sul territorio per uscire dal totale isolamento divenendo meta ambita dei migranti latino-americani. Così, tra interesse e negazione, nuovi interrogativi identitari – comuni per altri ma nuovi per questo paese – hanno fatto capolino e con loro la questione della distanza con la quale percepiamo quanto è – altro – da noi, la differenza. Cristobal Olivares nell’affiancarsi alle storie dei migranti domenicani nel suo progetto “The Desert” esplora le implicazioni di questo quesito identitario. Olivares presenta ingrandimenti di paesaggi desertici, vuoti, che divengono sfondo sulla parete, sopra o di fianco ai quali campeggiano i ritratti dei migranti e delle installazioni video nelle quali questi acquistano la parola.  In un processo che sembrerebbe alludere ad una perdita identitaria i migranti vengono rappresentati senza mostrarne il volto, ma questa forma, nelle loro debolezze ed incertezze ne evidenzia al contrario l’appartenenza al genere umano.  Olivares medita sulla distanza di sé dall’altro oscillando tra realtà e finzione, distante dal documentarismo come sola testimonianza della realtà in un possibile passaggio da storie singole a sentire universale tra memoria e apparenze. 

Alice Zucca


PUBLICATION LISTED IN THE ITALIAN PRESS REGISTER BY THE SASSARI COURT OF LAW WITH REGISTRATION NUMBER 447/2017.
EDITOR IN CHIEF: ALICE ZUCCA

ULTIMO ARTICOLO



ULTIMO POST SU INSTAGRAM @XIBTMAG
NON PERDERE GLI
E NON DIMENTICARE DI SEGUIRCI SUI SOCIAL

PER ESSERE SEMPRE AGGIORNATO SULLE NOSTRE NEWS

Privacy Settings
We use cookies to enhance your experience while using our website. If you are using our Services via a browser you can restrict, block or remove cookies through your web browser settings. We also use content and scripts from third parties that may use tracking technologies. You can selectively provide your consent below to allow such third party embeds. For complete information about the cookies we use, data we collect and how we process them, please check our Privacy Policy
Youtube
Consent to display content from Youtube
Vimeo
Consent to display content from Vimeo
Google Maps
Consent to display content from Google
X